Sandra Hauser, born 1983 in Bad Aibling, is an interdisciplinary artist. She starts her carrier as a costume and stage designer, in directing at theatre (2002) and from 2006 – 2014 studies than visual art with Professor Stehpan Huber and Hans Op de Beeck at the Academy of Fine Arts in Munich. In 2011 she attends as guest student the class of Professor Gregor Schneider at the University of the

Arts Berlin. From begin on Hauser’s focus is not on one fixed artistic form, but more on a content-based emotional basis, which forms the leader thread of her work. Her artistic practice evolves from terms like universal dilettantism, subjective realism, hyper sensibility for objects, emotions and their surroundings, the subtle poetry of the commonplace and the space of the human psyche. In her work she reconstructs human emotions throughout a conceptual language. Starting from her own biographic islands she works out the moment in which a personal conflict becomes commune. Doing so, she refuses to limit herself to just one medium, choosing the one that will best convey her message. She pushes the practice of multidisciplinary to the limits, involving her personal private life to create new pieces, executing like this a constant analysis of her own displaced past and daily occurrence. In 2018 she starts the new project The Electric Horseman which will be a durational performance in public space and a documentary about it’s production process. The first venues where the performance will be held will be Berlin, Naples (in collaboration with the Goethe Institute Naples) and Kinshasa DRK.

„As a guest professor at the Academy of Fine Arts in Munich, I had the pleasure to guide Sandra’s artistic research. As a multi-disciplinary artist myself, I instantly recognized and understood Sandra’s approach to her art practice. She uses a medium as the most adequate means to express a certain contents, and not because of the medium itself. I consider that a very valuable point of departure.

Sandra is a gifted writer, is strong in conceiving and producing balanced video works, has the skills to direct, sculpt, make photos, perform, create total installations, design costumes and many things more.

What I highly appreciate as well is the fact that she, amongst other subjects and domains, is not afraid to work on emotion and beauty, and, by doing so, knows how to avoid the dangers of both pathos and empty formalism.“

Hans op de Beeck, Multidisciplinary Artist



In einem Interview anlässlich einer ihrer Ausstellungen sagte die Künstlerin, es sei immer auch der Anfang von etwas Neuem und nicht das Ende eines Zyklus.


Sandra Hauser beabsichtigt mit ihrer ersten Einzelausstellung in Berlin nicht zu kapitulieren. Ihre aktuelle und raumumfassende Installation ist eher eine Geste des Loslassens. Wer Kellerabteil -  eine Analyse des Alltäglichen kennt, in der sie all ihr bisheriges Leben verpackt und ablegt, versteht KAPITULATION als eine Konsequenz dieser Arbeit und damit ein neu Verhandeln. Wenn Hauser Kunst macht, arbeitet sie auch gleichzeitig an sich selbst und übersetzt als Zeugin gesellschaftliche Zustände. Mit ihrer vielfältigen aber stets narrativen Bildersprache aus Zeichnung, Ready Mades und Film gelingt es der Künstlerin auf eine sehr persönliche und damit oft radikal emotionale Art HINZUWEISEN. War Hauser in der Vergangenheit meistens sie selbst alleinige und rebellische Protagonistin szenischer Bilder, findet sie jüngst Wahlverwandte, an deren Geschichten sie nicht nur erinnert und dokumentiert. Mit KAPITULATION reflektiert sie den Umgang mit Widerstand, Niederlage und dem Verlieren. Erneut werden die alltäglich gesellschaftlichen Bedingungen verhandelt und der Blick für das übrig Gebliebene verschärft.


Hausers Installation ist in vielerlei Hinsicht ein Gegenentwurf. Ähnlich wie bei der deutschen Band Tocotronic und ihrem gleichnamigen Album, geht es Sandra Hauser um eine kriegerische Haltung gegenüber einer auffallenden Stimmung. Sie möchte vor allem Sichtbarmachen. Aus diesem Grund ist KAPITULATION mehr Manifestation als Manifest. Sandra Hausers räumliche Installationen entstehen meistens unmittelbar am Ausstellungsort und erinnern an die Sprachform der Arte Povera Künstler. Mit dieser bewusst gewählten Materialästhetik legt sie mit KAPITULATION am Ort eine Art Urkunde nieder. Auf diese Weise konserviert Hauser fragmentarische Spuren von gegenwärtiger Geschichte(n). Geradezu anachronistisch erscheint ihr Fundus im Verhältnis ihrer digital sozialisierten Künstlergeneration, bei der alltägliche Inhalte aus dem Internet zu Installationen werden. Sie werden als Abbild ins Netz gestellt und nicht in den Ausstellungsraum. Und dennoch lassen sich nicht nur die Materialsensibilität vergleichen, sondern auch der Umgang mit Unbehagen und Unruhe.

KAPITULATION wird für den Projektraum der „alten feuerwache“ in Berlin mit vorgefundenen, überlassenen zum Teil historisch aufgeladenen Materialien und Symbolik erstmalig als inszenierte Metapher bzw. bildhafte Übertragung gezeigt.


Sandra Hauser ist in Bad Aibling geboren und hat an der Akademie der Bildenden Künste München bei Prof. Stephan Huber und Prof. Hans Op de Beeck studiert. Nach einem längeren Aufenthalt in Rom lebt sie jetzt in Berlin.

Harald Theiss, Kurator und Kunsthistoriker



Sandra Hauser’s most important piece of art is herself: as actor in her videos, performances and photography series, or hidden in her texts, in which the main characters always reflect parts of her own biography. In these narrative and scenic images she juggles with reality and fiction, with historic material and its contemporary reception.

Hauser’s characters have an affinity to the world of the interior, the territory of emotional sensitivity, the facade of etiquette, and the display of the bourgeoisie. Her reservoir of images also arises from the realm of the interior: mirrors, dim lights, pocket watches, porcelain dolls … Her production “Le Cabinet Des Arts – I. Après” features a butler and a woken person from her artificial literary world, which has its origin in the language of the nineteenth century and reaches into our own time. 

Her characters often embody grand emotions, a difficult balancing act between the spiritual novel and dime novel. Hauser avoids the constantly looming fall from grace and plays with the tension between romanticized nostalgia and unpretentious present.

Yet what is most interesting to me is how Hauser’s seemingly intact world is marked by aggression and threat; how its veneer is crumbling. There are the silent aggressions directed to the inside, as in the performance - installation “Der Tschenerali” from 2009. Each day, at the same time, a man comes to an old beer table from Munich’s Hofbräuhaus and drinks his beer silently, staring into space. At the other end of the table, a small figurine of a princess continues spinning. A seemingly melancholy image quickly turns into an image of self destruction. In the photographic self-portrait from 2011, “Das Mädchen mit den schönen Augen”, a frontal portrait of Sandra Hauser shows a red, badly hurt eye. Like in many other (made up) self-portraits, it remains unclear whether it is the result of self harm or external violence.

This question is clear in the performance “Le Cabinet des Arts – III. Monsieur Renard”. The now familiar butler aggressively and loudly sweeps a pile of broken bits of porcelain dolls through the room. This surreal act interrupts the focus of the viewers, and the intrusion of the butler’s sweeping forces the spectators to change their position constantly. In the end, a pile of shards lies in a corner of the room, the broom is leaning against the wall, and the butler has left.

Traces of violence also appear throughout the video “Weißt du wieviel Sternlein stehen?” from 2009. Marbles are rolling across a concrete floor, boots appear in the picture. Suddenly, a hammer smashes a marble – this continues until, finally, only glass splinters are left. Here, Sandra Hauser talks about a “metaphorical revenge on childhood.” This is shown clearly, precisely, and without attachment to literary worlds.

More complex is the piece “Devi morire prima di morire”, a piece of video and photography, which is based on Caravaggio’s “David with the Head of Goliath.” Sandra Hauser takes on the role of both protagonists and ultimately kills herself.

Aside from the violence, the pathos, and the heroic, a bipolar portrait (of the artist) comes to the foreground. Caravaggio’s fascinating painting is only a starting point for Hauser – the main focus is on the meditation about the self. The many identities which mark and tear on people of today are shown in an antagonistic form, as theatrical production of life and death.  The violence of murder in Caravaggio turns into the force of the physiological in Hauser’s piece. Here, a topic which was originally biblical and is now updated merges not only with the persona of the artist – Hauser finds an image showing the state of an entire generation.

Stephan Huber, Visual Artist Professor Academy of Finer Arts Munich

(for the catalogue „Sometimes I come, sometimes I go, but which is which, I don’t know . . . 

. . . sometimes I am, sometimes I’m not, but which is which, I forgot“)



The Relationship We Have With Art

You are beautiful because you have no value

Because you have no value you are useful to me

Because you are useful you have value for me

Because I gave you value you have lost your value

You are beautiful because you have no value

Because you have no value you are useful to me

Because you are useful you have value for me

Because I gave you value you have lost your value

You are beautiful because you have no value …

… Ad infinitum

The Relationship We Have

You are beautiful because you have no value

Because you have no value you are useful to me

Because you are useful you have value for me

Because I gave you value you have lost your value

Then you are beautiful because you have no value

Because you have no value you are useful to me

Because you are useful you have value for me

Because I gave you value you have lost your value

Then you are beautiful because you have no value

… Ad infinitum 1


1 So, the relationship we have with art is much like a love relationship of mutual co-dependence, based on guilt for having hurt the other, where the guilt has no basis. Yet just as with a relationship, all one can do is their best, relieving the pressure to avoid a situation in which guilt leads to a series of deceptions which end up creating a negative and destructive relationship which did not initially exist. What, after all, can really be expected of art except that it does the best it can and avoids hurting people along the way? It is only by relieving the pressure on art to have a social purpose that it might return to the sense of uselessness which gives it purpose.

Mike Watson, Curator and Art Critic

(for the catalogue „Sometimes I come, sometimes I go, but which is which, I don’t know . . . 

. . . sometimes I am, sometimes I’m not, but which is which, I forgot“)


Articles about the show:

Emotionale Momente | Kultur in der Region.pdf




What was your biggest dream when you were a child? Today, is your inner child happy to see how far you have arrived?

I remember an emotion, which is very important in outlining my inner dream. One afternoon I was standing on the bench of our dining table in the house I grew up in, looking out of the window onto the silent white snowy landscape. Nobody was there. The silence, the white and the soft light of the snow hugged me.
I was three or four years old, not more. I felt completely myself. In peace. Completely lost in my thoughts. After a while a man appeared far away, walking slowly on the street. I wanted to connect with him. But he was too far away, wrapped in his cloak. I was inside and he outside. In my head I started a silent conversation with him. I think the feeling of this memory is my greatest dream. Being completely myself in peace. Relate to other human beings without losing myself. Living my inner child. Thinking about that today, my inner child is happy to see how far I’ve come, but, again, it’s certainly still a long long way to walk.

Would you prefer to live on this planet with 7 million zombies or with the ghosts from your studio?

I think with the ghosts in my studio. They are nice, and even if they sometimes get out of hand, we still need each other. Without these spirits I certainly would not make art. The zombies, as you call them, are there for the emotions, relationships, stories, the life one experiences with one another. They relate to my work like a field study. So they are very important to me. I rather try to avoid them as a large group, but in smaller groups, or preferably each as individuals, they are vital. I don’t think I can make a decision, because one does not exist without the other.

Do you think that the exhibition in the Kunstverein Rosenheim will be the end of a cycle, or do you feel like you’re in a constant loop?

I know this exhibition is the beginning of something new.

I’ve always tried to take a step further inside, with every project I realize. This one is quite significant for me. It is the step from black into white. From dark into light. From fury into gentleness. From fear into courage. From holding on to letting go.

When I do art, I mainly do work on myself, and along with this development my projects develop. In the end they are always one thing: a reflection of my current state of being, translated into visual language. I feel, that the “me” stands back more and more behind the images, because it has realized that it does not have to put any value on itself in order to be loved. It is as it is, sometimes loud, sometimes quiet, sometimes poetic, sometimes chaotic, sometimes rough, sometimes hypersensitive. It just is.

I’ve tried to have the courage to leave out anything unnecessary at my first solo exhibition, to trust the gestures, to make a quiet exhibition, which accompanies you beyond the doors of the showroom and silently settles into you and makes you think. Without hurting you, without being hard on you, very quiet, very bright.

Whether my steps are always going straight ahead or whether I’m walking in circles, I cannot tell yet. If it is a loop, it’s a very long lasting one. But one can only tell these things from far away – I’m still too close to it.

Can you summarize the construction of the exhibition in the Kunstverein Rosenheim day by day in one or a few words, from beginning to end?

Day1: Arrival. Early evening, overwhelmed by the white, empty, bright room. Beauty.

Day 2: Unpacking of the “Weltumsegler”, placing it in the middle of the big room. Setting up my little bed. Overwhelmed by the room.

Day 3: A bathe in the lake in which I swam as a child. Overwhelmed by the room.

Day 4: Break. Relaxation from being overwhelmed by the room.

Day 5: My cellar in Munich. Happiness about meeting old things again. Memories. Taking measurements. First transport. Unpacking. Frustration with the chaos entering the empty, white room. The fusty smell of the basement. 

Day 6: A bathe in the lake. Try to install a pile of chaos in the room. Uncertainty. Discomfort.

Day 7: Waking up, panic upon seeing the de-contextualized chaos of my life in the empty, white room. Search for old wooden slats resembling those of my basement. No success.

Day 8: Cellar in Munich. Getting tired of touching my old things again. Confusion. Physical exertion. Uncertainty. Second transport. Setting up of the video „Weißt du wieviel Sternlein stehen“ in the small entrance room.

Day 9: Growing chaos. Congestion of the big room. Search for old wooden slats, discovery with an old saw-mill buddy of my father. Start of setting up the cellar.

Day 10: Cellar in Munich. Total exhaustion with the site of the things that keep on getting older, the further I dig into the basement. Immersion into my childhood. Confusion, memories, panic, emotional turmoil. Third transport.

Day 11: Construction of the cellar. Concrete floor. Putting up the cellar walls made of wooden slats. Happiness about the nice and empty cellar section. Suppression of the chaos surrounding it.

Day 12: Choosing placement of the big drawings in the big room. The urge to hide memories.

Day 13: Cellar in Munich. Total uncertainty. Emotions. The feeling of becoming insane. Fourth transport. Even more chaos in the Kunstverein.

Day 14: Construction of the “Flying Cellar Lamp”. Happiness about empty cellar compartment. First filling with things from the past. Panic about the chaos in the previously empty cellar compartment.

Day 15: Cellar in Munich. Hatred towards the basement. Fifth transport. Further shift of the chaos of things into the cellar basement. Day 16: Hatred towards the chaos in the cellar compartment. Emptying of the cellar compartment. Chaos surrounding the cellar compartment.

Day 17: Decision to organize the things the same way in the reconstructed cellar basement. Execution. Happiness. Beauty, Tiredness.

Day 18: Opening. Overwhelmed by the white, empty, bright room. Beauty. My children’s bike. At the end, my cellar compartment. My mother, relatives, friends – people who have been with me my whole life walk around the cellar section, recognizing things, exchanging stories about them, returning into my life. 

Throughout the entire setting up:  Most often used sentence from others: “I have a cellar like this.”

Dominating emotions: Time travel into the white room of my childhood. Exhaustion. Panic. Healing. Transformation. Resolution.

Do you think that looking into the past would give you a better future?

I think without the past there is neither the future nor the present. I feel my life as one big context. It is important to me to look into the past sometimes. It is as if the past and the future were two mirrors, and if I look into them, I could understand the present. I think that the conclusions I can draw from looking into the past prepares the way for a future that comes closer and closer to my soul – the inner child standing in the world naked and peaceful, without covers, put on or learned. I think that if you learn to live yourself without compromises, the way you are, then the matching future can happen, and this is what I define as good.

I think that the artist should transform his personal baggage into a universal language. Who is the recipient of this message, according to you?

The message is directed towards the others, the insight is for myself.

What has connected you to the people in Rosenheim and what is connecting you to them now?

In the past, puberty and coming of age connected me to them. My time at school. Friendships that have started then and still exist, such as with Maria Daxenbichler and Nathalie Langer. Swimming in the lake. Adventures. The engagement with art, music and humanism. Peter Weigel, the curator of the exhibition, for example, was my teacher and he was the first to give me the opportunity to produce a life sized sculpture for a class project and also show it. The feeling of exhibiting my art for the first time connects me to him.

Now, I also connect with them the return to the home that you carry in your heart. One’s own soul. And the courage to show it as well.

Can you tell me what a cellar is to you?

To me it is the place in which my past is stored. Beloved, discarded, past, and forgotten things. All the things with which one does not want to live anymore, but what you also cannot let go. The storage of things that make memory possible. Now, as I am writing this, I come to the conclusion that the only proper place for a cellar is a bright, beautiful room. Strange that cellars are always dark, humid and unhomely…

by Giovanni Cervi, curator

(for the catalogue „Sometimes I come, sometimes I go, but which is which, I don’t know . . . 

. . . sometimes I am, sometimes I’m not, but which is which, I forgot“)


Sandra Hauser was born in 1983 in Bad Aibling, Germany. Her vocation is to reconstruct dramas and emotions throughout a conceptual language. Her art has not a specific medium, she takes every challenge reflecting, internalizing the essence, cataloguing and filtering all the emotions with visceral instinct. Exactly this particular combination of passion and reason makes her work embracing and pulsating, drenched with the tension typical of the artist that lives in symbiosis with her work. Hauser takes on her shoulders the weight of the role of witness of our troubled times, she interprets our society’s contradictions with profound delicacy and intense drama, leaving an emotional scar on the audience.”

Giovanni Cervi, Curator and Art Critic

(for the catalogue „Sometimes I come, sometimes I go, but which is which, I don’t know . . . 

. . . sometimes I am, sometimes I’m not, but which is which, I forgot“)



Sueddeutsche Zeitung von Konstantin Lannert

"(...) Bei Sandra Hauser rollen stattdessen Murmeln. Sie prallen aneinander ab und bleiben schließlich im Panoramabild der Kamera liegen. Ein paar Schuhe stampft ins Bild. Ruhe. Spannung. Mit einem Donnerschlag saust ein Hammer herab, zertrümmert erst eine Murmel, dann die nächste, erfüllt die Leinwand mit Hysterie und lässt am Ende nichts als Glaspulver zurück. "Mein Vater hat mir einen seitenlangen Brief geschrieben, als er erfahren hat, dass ich an der Ausstellung teilnehme. Er hatte wohl Angst vor dem, was ich zeigen könnte.", erklärt Hauser. Alle gezeigten Arbeiten wirken sehr reif, der überaus intime Charakter vereint sie. (...)"


LINK ART Tipp der Woche


Exhibition „HERE TODAY, MARS TOMORROW“, Palazzo Ducale (Genova), Homage to Philip K. Dick:

Article Città di Genova:

(...) L’ucronìa è un altro tema affrontato spesso da PKD, l'artista tedesca Sandra Hauser affronta e si confronta con un mondo in cui nazisti e giapponesi hanno vinto la seconda guerra mondiale, Hawthorne Abendsen è uno dei personaggi de La svastica sul Sole, autore dissidente di un libro nel libro in cui sono gli Stati Uniti a vincere la guerra. (...)

>>> LINK whole article


EXHIBITION „OPEN/The Generation of Future“

„The Generation of Future coniuga il lavoro di artisti italiani e stranieri, di variegata forza ed estrazione, con l'intento di aprire l'orizzonte visivo a combinazioni di linguaggi differenti. Tra gli invitati si segnalano: Matteo Basile', Silvano Tessarollo, Sandra Hauser.“

>>> LINK Article UNDO.NET


Article La Repubblica LINK >>>


"(…)Rendono esplicito omaggio al caravaggismo il video e il quadro fotografico di Sandra Hauser su Giuditta e Oloferne, con morale piuttosto cupa (Devi morire prima di morire). (…)


Article of Petra Olivares about my docu-fiction „C-A-R-P-E-N-E-D-O - A shady mind in a hypothetical body“:

„ESPANSIONI/CONTRAZIONI è una mostra non semplice, realizzata in più momenti. In una prima fase i curatori, Andrea Penzo e Cristina Fiore, hanno invitato gli artisti a partecipare ad un incontro introduttivo con il professor Tarca sulla valenza del rapporto tra corpo e mente e su come la dimensione corporea e quella spirituale si influenzano l’un l’altra. Successivamente Paolo Maccagno ha tenuto un workshop che si riallacciava al pensiero di Lowen attivando delle pratiche corporee, durante le quali gli artisti hanno dovuto relazionarsi anche fisicamente, sperimentando in prima persona l’approccio psicocorporeo interpersonale affrontato fin lì solo nella teoria.

Forte Carpenedo, spazio espositivo scelto per la mostra, è stato anch’esso parte integrante del processo elaborativo delle opere da parte degli artisti. Il corpo sinuoso e umido del Forte, la disposizione delle sue stanze lungo i corridoi semibui, quasi dei cunicoli, ha inciso fortemente nell’interazione, raggiungendo in alcuni casi picchi di intensa sintonia tra le opere e lo spazio. La visita stessa della mostra è un’esperienza, amplificata dal Forte, che fa da cassa di risonanza delle percezioni cognitive. Questo effetto l’ho sperimentato in prima persona: non mi stupisco che molti di questi artisti abbiano scelto l’azione performativa per esprimere il punto d’arrivo delle loro elaborazioni.

Chi meglio di altri ha saputo integrarsi con il Forte come fosse un corpo vivo e saggiarne la consistenza attraverso l’esplorazione è stata Sandra Hauser. Il video di Sandra (C-A-R-P-E-N-E-D-O A shady mind in a hypothetical body) ha dei connotati psicologici profondi: per conoscere a fondo la propria identità bisogna scavare nella propria psiche, come si stesse esplorando un corpo fisico o uno spazio, vagliando le zone d’ombra alla ricerca del significato profondo del proprio essere. In un video di quasi due ore, proiettato in una delle tante nicchie buie del Forte, Sandra raccoglie gran parte del girato in presa diretta, summa di cinque giorni di lavoro, realizzato vagando giorno e notte per le stanze chiuse del Forte, facendosi luce con una torcia elettrica, mantenendo l’inquadratura della videocamera all’altezza dei suoi occhi. Lo spettatore scopre con lei (attraverso la proiezione in tempo reale) gli oggetti abbandonati, dimenticati da anni, coperti di muffa e mangiati dall’umidità, percependo dal respiro affannoso la tensione che provava l’artista avanzando nella difficile esplorazione.(...)“

Petra Olivares

>>> Whole Article on Olivares cut


Article in INSEDART Magazine about my work „Weißt du wie viel Sternlein stehen“:

Claudia Quintieri:

Nel nuovo incontro con Sandra Hauser ci occupiamo del suo primo video Weißt du wieviel sternlein stehen? che testimonia il suo mondo creativo, la volontà di esprimere il confronto sempre vivo fra la bellezza e la distruzione, fra il bello e il brutto, fra due forze opposte, una negativa e l’altra positiva, naturalmente compresenti nella vita. La stessa fonte d‘ispirazione ritorna anche nelle opere realizzate con gli altri linguaggi che l’artista utilizza, ad esempio la fotografia e l’installazione. Il titolo è tratto da una canzone tedesca per i bambini e vuol dire: Sai quante stelle ci sono in cielo? Hauser commenta: «La canzone parla di Dio che ha contato quasi tutto il mondo: le stelle, gli animali e anche i bambini. Trovavo questa canzone bella e inquietante allo stesso tempo perché ho sempre pensato: cosa succede se Dio mi dimentica? Se non mi conta?». Nel video, invade il pavimento una pioggia di biglie che poi vengono distrutte con un martello. Il collegamento fra le biglie e la canzone è il ricordo dell’infanzia, nel praticare il gioco con le sfere e nell’ascolto del motivetto infantile, motivetto percepito da Hauser non solo come idilliaco ma anche come angosciante, due elementi compresenti nel concetto alla base dell’opera. Weißt du wieviel sternlein stehen? è stato girato nello studio dell’artista quindi nel suo universo, in cui le biglie possono diventare stelle. La distruzione, parte finale dell’opera, si riferisce a un momento emotivo particolare della vita, quando si passa all’età adulta e molti sogni vengono infranti, mortificati, momento che Hauser affronta con rabbia, ricorda: «in quel periodo ero arrabbiata con me stessa e con il mondo e non potevo tornare indietro, non potevo riappropriarmi dei miei sogni». Il video è un unico piano sequenza di tre minuti, è il frutto di una notte: Sandra ha giocato con le biglie cercando di farle toccare l’una con l’altra, poi quando ha trovato la disposizione opportuna le ha fatte in pezzi. La telecamera è sempre stata fissa sul pavimento che aveva dei buchi in cui si sono posizionate le sfere. Conclude: «La persona che entra alla fine e distrugge, sono io, anche se non sono riconoscibile perché per me era importante che il messaggio fosse universale: molti conoscono la sensazione di quando si infrangono i nostri sogni, di quando da un istante all’altro cambia tutto, e dalla bellezza, perché le biglie per me sono bellissime, si passa alla fine di un’illusione». Non è detto che il passaggio a un dolore sia solo quello dall’infanzia all’età adulta, ma ad esempio si può pensare ad una guerra, ad una delusione.



Article Il Messaggero about „Weißt du wie viel Sternlein stehen“

„(...)Nella programmazione del Festival per questo weekend, sempre all’insegna della "contaminazione" di linguaggi, di stili e di storie, segnaliamo: per gli audiovisivi, il video di Sandra Hauser, nel quale l'artista distrugge delle biglie provocando un rumore assordante (...)“



Article in INSEDART Magazine about my work  „Devi morire prima di morire“ 

Claudia Quintieri:

„Sandra Hauser nasce nel 1983 a Bad Aibling in Germania e da marzo vive e lavora e Roma, mantenendo i contatti con Monaco. Il suo percorso lavorativo inizia dopo le scuole quando partecipa a uno stage come scenografa e costumista al Gran Teatro di Monaco diventando presto assistente e poi libera professionista. L’impegno nell’arte avviene grazie alla frequentazione dell’Accademia di belle arti di Monaco in cui ha studiato con Hans Op De Beeck. Il filo conduttore della sua arte? La risposta di Hauser: «Il mio materiale è la gente, l’umanità». Il pensare una storia è fondamentale, scrive molto sui suoi progetti. L’ispirazione? L’alterità dovuta a ciò che la circonda e che l’artista ingloba, alterità essenziale nella sua essenza e che si riflette immancabilmente all’interno della sua stessa personalità: «le storie degli altri sono anche le mie», dichiara. L’apertura è verso il mondo, attraverso cui si può percepire il “noi stessi”, di conseguenza il sentimento interiore mira a capire ciò che sta oltre la propria esistenza: i temi dell’essere sono sempre uguali sia che li si viva dal di dentro, sia che li si viva dal di fuori e i due aspetti possono collimare nella dualità. Utilizza scultura, fotografia, performance, installazione: decide il linguaggio appropriato al suo pensiero intuitivamente, nel dialogo fra mente e stomaco. Devi morire prima di morire è la videoinstallazione composta da una fotografia e da un video che rielaborano il celebre dipinto di Caravaggio Davide con la testa di Golia. L’origine del titolo si rifà a una riflessione accompagnata dalla filosofia di Dschalal ad-Din ar-Rumi in cui si parla della morte dell’ego, ego protagonista dell’opera in cui l’artista si ritrae come carnefice e vittima: da una parte è forte e smisurato, ego-centrico, e dall’altra sensibile, emozionale, emotivo. L’uno ammazza l’altro: bisogna uccidere il proprio ego per poter vivere liberi e poter morire veramente. Un lottare, un rimandarsi, un comunicare, un intersecarsi per poi dividersi: razionalità e emotività, senza confini netti proprio come il nero della notte che permette all’inconscio di esprimersi e creare. Oltre all’iconografia, sono caravaggesche le luci: l’amore per il buio ha origine anche nel fascino per la notte e nell’esperienza teatrale di Hauser. Il guardare a Caravaggio nasce poi da una riflessione sui suoi dipinti, come commenta: «Le sue storie mi piacciono perché i personaggi sono quelli della strada e ognuno di loro vive di per sé la storia, completamente da solo», come spesso si è da soli nell’espressione della propria arte. Sandra accosta fotografia e video per una ragione ben precisa: «La foto è il momento senza tempo, della finzione, della teatralità, il video è il momento dello sviluppo temporale». Nel video l’artista si cosparge con una sostanza bianca: è la personalità di Davide che esce fuori, ma che non si piace, che si schiaffeggia perché esprime rabbia verso di sé, allora subentra la personalità di Golia quando l’artista si cosparge di una sostanza nera: bianco e nero, luci e ombre, forma e passione. E insieme Hauser maneggia una spada con cui tenta di tagliarsi la testa: la morte vista da vicino come momento catartico e metaforico; Caravaggio ha dipinto Davide con la testa di Golia poco tempo prima di morire e si è ritratto in Golia. Il sottofondo sonoro è composto da un brusio indistinto che fa perdere le coordinate del qui e del dove, mentre nel punto degli schiaffi, della rabbia, si sente una musica elettronica, contemporanea e malinconica allo stesso tempo. Infine il suo seno scoperto, proprio come Davide è in parte nudo nel quadro del maestro: «ho ammazzato il mio ego maschile», l’artista ricorda le parole del curatore Giovanni Cervi su questo aspetto dell’opera. Il lavoro è stato selezionato per il premio Adrenalina, a cura di Ferdinando Colloca e Federico Bonesi, che ha inaugurato ieri al Macro Testaccio di Roma.“



Article about „Open studios, gardens and houses“ (Opening of Scala C in the artists‘ studio together with the artist

Nicole Voltan) in Art a part of culture Magazine from il7 - Marco Settembre:

(...)„A proposito di conflitti e dei segni da essi lasciati, il lavoro di Sandra Hauser si definisce senz’altro come emozionale, perché elettivamente si confronta con la sostanza chiaroscurale dei mondi interiori e del loro mistero, agendo sul limitare della soglia dell’inconscio, e interagendo col tema della memoria in modo molto intenso, simbolico e con una forte matrice surreal-dadaista, cui appartiene anche la cifra ironica che in al-cune sue opere compare a spezzare gli incantesimi con un tocco di bizzarria. Avvertendo la diversa energia degli oggetti vecchi, che utilizza come autentici object trouvèe ma combinandoli tra loro creando piccole installazioni che sono scenari sorprendenti carichi di forza ipnotica, la Hauser di recente ha realizzato un sogno di quella sua infanzia cui attribuisce un valore cultuale e di cui ricrea atmosfere e motivi: ha dipinto Totilas and Perigon un grande cavallo (la testa, in particolare) ad acrilico direttamente sulla pelliccia di cavallino (supporto che lei già ebbe modo di utilizzare in una sua precedente esperienza da scenografa teatrale) ed ai due lati del dipinto, ha però collocato sporgenti dal muro, delle punte di frecce ad evocare la forza, sospesa tra suggestione medievaleggiante ed essenzialità contemporanea (si veda l’occhio geometrico), dell’insieme cavallo-cavaliere, che ritorna in una serie di piccoli sketches minimalisti disegnati, in una parete a fianco, che, protetti ciascuno dal plexiglass, mostrano diverse posizioni impossibili tra i due, simboleggiando la difficoltà, gli errori e l’inutilità di relazioni mal poste.

Il tema della memoria e della sua elaborazione emerge prepotentemente nella grande foto in cui la Hauser stessa appare en travesti, nei panni del protagonista del romanzo di Philip Dick La svastica sul sole, il quale, in un mondo parallelo in cui Hitler ha vinto la guerra, scrive un romanzo in cui invece l’ha persa, e viene perciò ricercato in tutto il mondo e non sa più quale sia la realtà tra le due. In modo ancora più personale, l’ansia della rimozione dello scomodo passato tedesco con decisione traspare dalla scatola, oltre la maniera dada o fluxus, in cui sono conservate medaglie naziste vere (appartenute ad un amore perso in guerra della nonna di Sandra) e, poggiate su un letto di seta bianca, dei braccini di bambolotti, come se fossero arti rinvenuti in una fossa comune, il primo della cui fila è steso nel saluto nazista, mentre l’uno dopo l’altro la postura è modificata fino ad assumere la posizione del pugno serrato, ad indicare un risveglio delle coscienze che coincide con un riscatto collettivo.

Siamo rimasti sconcertati nell’apprendere, però, che durante la serata di apertura degli studios, qualcuno ha trafugato la scatola commettendo una vergognosa profanazione il cui senso va ben al di là del furto, e compromettendo l’integrità di una installazione che si compone anche di un album di famiglia e di una pianta malata, quasi secca, sotto una campana di vetro, a simboleggiare una società, quella tedesca, cresciuta per diversi decenni con il peso di dover rimarginare LA ferita.

La Hauser manipola anche vecchie foto sovrimponendovi col suo misurato intervento significati sociali perturbanti ma giusti, ed utilizza bambole come elemento ricorrente nella creazione di un universo espressivo profondamente atmosferico ed evocativo.

Nel corso della serata, inoltre ha suonato una sega cantante nella performance elettroacustica di Phlox l’entità musicale composta anche da Tiziana Lo Conte (elettroniche e voce) e Alessandra Ballarini (basso elettrico) che propone un singolare amalgama sonoro con radici nell’avanguardia contemporanea e nello sperimentazione industrial e dintorni che definisce confini inesistenti in scenari ispirati dal contesto, usando, oltre agli strumenti, oggetti di varia natura che diventano risonanti dettagli di storie.(...)“

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Article in INSEDART Magazine about first Event in the artists Studio „Hauser&Voltan“

Claudia Quintieri:

„(...)Nel soggiorno dello studio di queste due artiste campeggia un disegno di una testa di cavallo su pelliccia di cavallino realizzato dalla Hauser che si accompagna a piccoli disegni sempre con le sembianze dell’animale, mentre, se entriamo in camera sua, troviamo le pareti occupate da fotografie su sfondo nero con teste di bambole raffiguranti bambini. L’artista dichiara: «Sono tutte bambole trovate sottoterra che erano scarti di serie in vendita. Mi piacciono perché ognuna ha il suo carattere e poi i bambini rappresentano il futuro». Un video, invece, ci riporta in una dimensione narrativa: oggetti raccontano ognuno capitoli di un romanzo con una voce fuori campo, ad esempio un cappello, delle scarpe maschili e una bottiglia, raccontano la storia di un uomo(...)“




Article on WOODENLEG

„This is You have to die before you can die, her photo and video installation inspired by Caravaggio’s David and Goliath. Hauser takes on her shoulders the weight of the role of witness of our troubled times, she interprets our society’s contradictions with profound delicacy and intense drama, leaving an emotional scar on the  audience. Please note: the photo is a double selfportrait.“

Giovanni Cervi, Curator I LINK >>>

„Ci sono la Paolina Borghese di Antonio Canova inzaccherata di macchie nere in stile punk, le sante Agata e Apollonia in versione street art appese alla parete sopra l'omologo dipinto di Jacopo Bassano, oppure il Nettuno raffigurato nel '600 da Pietro della Vecchia che prende le sembianze dell'attore Viggo Mortensen, quello del “Signore degli Anelli”. Tutti “intrusi”, e a regola d'arte: esposti e a volte seminascosti, e confusi con le opere permanenti, nelle sale della pinacoteca del Museo Civico di Bassano del Grappa. Una provocazione, e insieme una sfida, intitolata “Past Forward”: la mostra-evento di Infart 2012 - curata da Giovanni Cervi, Diego Knore e Yasha Young - che fino al 7 ottobre presenta al Museo “i capolavori di ieri reinterpretati dai talenti di oggi”.

Oltre 60 artisti emergenti italiani ed internazionali sono stati invitati dagli organizzatori a rivedere i capolavori del passato attraverso visioni, tecniche e linguaggi contemporanei. Un omaggio collettivo - in forma di cover, tributi e remix - alle opere della collezione dei Musei Civici di Bassano e, più in generale, ad alcune tra le più celebri icone della storia dell'arte italiana. E così, nelle austere sale della struttura museale, si crea un'insolita fusion tra l'arte di ieri e quella di domani: e le “nuove versioni” - talvolta ironiche o spregiudicate, ma mai irriverenti - delle opere dei secoli passati qui conservate si trovano a fianco, o a poca distanza dall'“originale” per un confronto in diretta con la loro fonte di ispirazione.

Diversamente accade nelle sale dell'ala nuova del Museo, dove i tributi e i remix in mostra sono ispirati ad altri capolavori dei maestri dell'arte italiana, Leonardo e Caravaggio compresi.  Proprio a Caravaggio, e al suo celebre “Davide con la testa di Golia”, è dedicata una delle più interessanti performance della rassegna, firmata dall'artista tedesca Sandra Hauser che con una intensa video installazione e una notevole fotografia in chiaroscuro trasforma le due figure del dipinto in un doppio autoritratto.

Immancabile, tra le diverse cover in vetrina, la Monna Lisa ovvero la Gioconda di Leonardo: il capolavoro più remixato della storia. Ma la “Lisa in the Sky with Diamonds” dell'italiano Dast è davvero un gioiellino di originalità, a metà strada tra la “street” e il fumetto.
Questo, e tanto altro, tra i contenuti di un'esibizione che arricchisce il Museo Civico di Bassano di nuovi stimoli contemporanei. Come tutte le cose, “Past Forward” potrà piacere, oppure no: ma un po' di innovazione, oltre la patina della cultura ufficiale, non fa mai male.“

Alessandro Tich,  I  LINK >>>

„We just wanted to update you guys on the Bassano show, “Past Forward” that began on the 31st of August. This is an image of how it looked outside the venue on opening night. Coincidentally, we had a cheerful visit today by one of the participating artists, Sandra Hauser, who wanted to visit Strychnin Gallery while in Berlin.
For the Bassano show, Sandra was inspired by Carravaggio’s stilistic and characteristic tenebroso painting; a dramatized usage of the chiaroscuro. She created a hipnotic double portrait that bears the name “Devi morire prima di morire” (“One must die, before he can die.”) Another example of the works inspired by Renaissance and Baroque artists, was the installation created by Ufocinque. A magnificently light up paper-cut installation. His work is that of a steady and disciplined hand. He works in lawyers of paper cuts, to create a 3D enviroment within a frame, triggering an ethernal and dream-like state for the viewers. His work was inspired by “Amor & Psyche” and “The Three Graces”, both by Antonio Canova. Tomorrow is the last day to visit the exhibition, so if you’re around, don’t dare and miss out!“



Artikel Espoarte:

INFART, BASSANO DEL GRAPPA (VI) | 29 agosto – 2 settembre 2012

Il fine estate da INFART di Bassano del Grappa si è concluso domenica 2 settembre dopo una settimana all’insegna di arte e musica  che ha letteralmente invaso le strade della cittadina veneta, tra interventi outdoor (tra cui il nuovo muro dell’ ex Ospedale concesso dal comune a Pixel Pancho), esposizioni in tre location aperte al pubblico per l’occasione e i dj set serali.
Se siete ritardatari, non tutto è andato perso… Ancora qualche giorno per Tulpa (sino al 10 settembre), il “solo show” dell’artista 108, di particolare resa anche grazie al perfetto connubio tra lavoro grafico/pittorico di natura “street” e la location ex industrial con lunghe finestre sul brenta e tramonto. Sino al 7 ottobre Past Forward, la collettiva ai Musei civici di Bassano, che presenta cover, remix e tributi alle più celebri icone della storia dell’arte italiana realizzate da artisti di ultima generazione. Da segnalare Sandra Hauser con i suoi autoritratti in foto e video tramutata nel Davide e Golia di Caravaggio, ufocinque con un’installazione di layer di carta ispirata a Canova e Kevin Weir e la sua animazione gif di un paesaggio di Capua di Antonio Marinoni.
Per il resto… Quel che è passato è documentato con cura. Ecco un assaggio di questa sesta edizione di INFART.

Artikel Espoarte  I LINK >>>



Artikel in der Sueddeutschen Zeitung von Konstantin Lannert

"(...) Bei Sandra Hauser rollen stattdessen Murmeln. Sie prallen aneinander ab und bleiben schließlich im Panoramabild der Kamera liegen. Ein paar Schuhe stampft ins Bild. Ruhe. Spannung. Mit einem Donnerschlag saust ein Hammer herab, zertrümmert erst eine Murmel, dann die nächste, erfüllt die Leinwand mit Hysterie und lässt am Ende nichts als Glaspulver zurück. "Mein Vater hat mir einen seitenlangen Brief geschrieben, als er erfahren hat, dass ich an der Ausstellung teilnehme. Er hatte wohl Angst vor dem, was ich zeigen könnte.", erklärt Hauser. Alle gezeigten Arbeiten wirken sehr reif, der überaus intime Charakter vereint sie. (...)"


LINK ART Tipp der Woche



Drama und Inszenierung
Neue Kunst-Ausstellungen in dieser Woche | Süddeutsche Zeitung, 12. Mai 2009

Das Verhältnis von zeitgenössischer Kunst und katholischer Kirche war in den vergangenen Jahrzehnten geprägt von herzlichem Desinteresse oder - bestenfalls - gequältem Wohlwollen. Zu unberechenbar die Künstler den einen, zu dogmatisch die Kirche und ihre Glaubensgrundsätze den anderen. Ausnahmen bestätigen natürlich die Regel. Denn es gab und gibt immer wieder Einzelkämpfer in beiden Lagern, die versuchen, Gräben zuzuschütten. Trotzdem wirkt es fast schon ein wenig wie die Ankündigung von Tauwetter, wenn die Bildhauerklasse Stephan Huber an der Münchner Kunstakademie für fast drei Monate mit ihren Arbeiten in die Räume der Katholischen Akademie eingeladen wird und dort mit finanzieller Unterstützung der Kirche ausstellt. Titel der Ausstellung: „Der große P(aulus)“, der - so der flapsige Text zur Ausstellung - als „wichtigster Außendienstmitarbeiter des Urchristentums“ anzusehen sei. Paulus war Sohn strenggläubiger Pharisäer, griechisch gebildet und mit dem römischen Bürgerrecht ausgestattet. Vor Damaskus soll ihn eine wie immer geartete Erscheinung vom fanatischen Christenverfolger zum glühenden Missionar und Prediger bekehrt haben. Er gründete und betreute die ersten Christengemeinden im östlichen Mittelmeerraum und starb schließlich in Rom den Märtyrertod. Zudem befinden wir uns seit Juni 2008 in einem von Papst Benedikt XVI. ausgerufenen „Paulusjahr“. Was sicherlich bei der Kirche auch noch einmal mitgeholfen hat, die Bereitschaft zu fördern, Kunststudenten unter Ägide ihres Professors, fast wie im Barock, ein Art Arbeitsauftrag zu erteilen.

Mit einem Resultat, das sich durchaus sehen lassen kann. Denn über fast alle Innen- und Außenräume der Katholischen Akademie in der Mandlstraße verteilt erwarten den Besucher Überraschungen, die vom kurzweiligen optischen Verführen bis hin zu tiefergründendem Philosophieren reichen. Im weitläufigen Garten stehen beispielsweise zwei Pavillonbauten: „Ipsum“ von Katrin Bertram ist eine vollverspiegelte Kabine, die mit Schließen der Türe die Außenwelt ausblendet und zumindest symbolisch auf das Finden der eigenen Identität verweist. In der benachbarten zeltartigen Konstruktion verbildlichen Carmen Runge und Sophia Süßmilch die naive Gottesvorstellung vom großen „Puppenspieler“, der unwiderstehlich seine Fäden zieht. Selbstfindung, Bekehrung, Missionseifer, Glaubenstreue, das sind die Themen dieser Ausstellung. Und dazu die Fragen nach dem Warum? Nach Erklärungen der Welt, nach dem, was alles zusammenhält. Da kann man es sich einfach machen und wie Ali Karaduman einfach eine eingestaubte Bibel zwischen Spinnweben in eine Glasvitrine legen. Das alte Buch als unberührtes Auslaufmodell. Oder man steigt richtig ein, so wie Sandra Hauser in ihrem aufwendigen Videofilm, in dem sie einen Schauspieler mit selbst zusammengestellten Zitaten aus Paulusbriefen rezitieren lässt. Eine zwischen Hingabe und Verzweiflung, Angst und Erfülltheit schwankende Fiktion des Paulus im Gefängnis am Vorabend seiner Hinrichtung. Ungeheuer intensiv durch die angedeutete Selbstverstümmelung, bei der sie den Schauspieler während der Rede sein weißes Priestergewand aufschlitzen lässt! Eine andere Videoarbeit von Felix Burger, betitelt „Missionary and Tramp“, zieht die Enthauptung ins Tragikomische. Charlie Chaplin als Tramp spielt Fußball mit dem Kopf des Paulus. Und bei Max Biek baut sich das Blut der Enthauptung zu virtuellen Strömen auf.

26 Studenten präsentieren Arbeiten, die ausnahmslos zum Nachdenken anregen und unter die Haut gehen. Bilder mit Schärfe, mit hoher handwerklicher Präzision, erzeugt unter Zuhilfenahme aller erdenklichen Medien. Die Katholische Akademie als künstlerischer Anziehungspunkt. Wenn sich das nicht für alle Beteiligten gelohnt hat?


Christoph Wiedemann I Suddeutsche Zeitung  I LINK



Kult und Kannibalismus
Von Christoph Wiedemann | Süddeutsche Zeitung, 30 Mai 2008 

Die Akademie der Bildenden Künste in München begeht heuer ihr 200. Gründungsjubiläum. Der Reigen der Jubel-Veranstaltungen begann bereits früh im Jahr mit Würdigungen der Architekten und Goldschmiedeausbildung in der Pinakothek der Moderne. Der Erfolg war durchwachsen. Die Architekten blamierten sich nach Kräften mit einem unsäglichen Plagiatsprozess wegen der Verwendung von Kabelbindern für eine von Studenten entwickelte Installation. Die Goldschmiede hingegen stellten souverän die Früchte einer langen Entwicklung zur Schau. Die heiße Phase der Jubiläumsfeierlichkeiten beginnt freilich erst jetzt so richtig mit Eröffnung der zentralen Schau im Haus der Kunst, die unter dem Titel "Kraftprobe" im historischen Rückblick die internationale Bedeutung der Münchner Kunstakademie veranschaulicht und untermauert. Parallel dazu startet dieser Tage eine Reihe mehr oder weniger gelungener Zusatzveranstaltungen. Im Rahmen der Diskussionsreihe "Föhn Form Ferstand" wird ab dem Wochenende bis Mitte Juni diskursiv visioniert. Anschließend wird es wie immer die traditionelle Jahresausstellung der Studenten in der Akademie selbst geben.

Der Jubiläumseuphorie geschuldet preschen freilich zwei der Akademieprofessoren bereits jetzt zusammen mit ihren Studenten mit ziemlich unterschiedlichen, den gegenwärtigen Zustand der Akademie gleichwohl anschaulich illustrierenden Ausstellungen nach vorne. Anke Doberauer veranstaltet mit ihren Schülern eine Art "Kunstmesse" in den Räumen des leer stehenden Heizkraftwerks an der Müllerstraße 7 (bis 1. Juni), während die Bildhauerklasse von Stephan Huber (bis 20. Juni) in der vom altehrwürdigen Berufsverband betriebenen Galerie der Künstler in der Maximilianstraße 42 gastiert.

Schon lange nicht mehr so viel Spaß gehabt in den behäbigen Verbands-Hallen! Die Studenten toben mit ihren Arbeiten ebenso rücksichtslos wie vereinnahmend durch die historistische Architekturkulisse: Anmutungen, Ambitionen, Drehungen über die fiktiv verlängerte Geschichte eines Dorfes, das erst innerhalb der vergangenen 100 Jahre zur Stadt mutiert ist. Gerade noch die Zwiebelchen der Türme der Frauenkirche überragen den stetig anwachsenden Gletscher, der sich über die Münchner Innenstadt ausgebreitet hat. Keine Straßenzüge, keine Plätze, keinerlei städtebaulichen Konturen sind mehr erkennbar. München ist unter Eis erstarrt. Aufdringlich leise schnarrt ein Generator vor sich hin, damit sich dieser unsägliche Albtraum immer weiter in die Außenbezirke der Stadt ausbreiten kann. Aber keine Angst! Alles nur Illusion. Der eisige Albtraum ist nur Modell. Die stetig wachsende Eislinse kann allenfalls über die Ränder jener Tischplatte abtropfen, auf der Miniatur-München von Florian Froese, einem der Studenten der Klasse Stephan Huber an der Münchner Kunstakademie, gebaut wurde.

Welch fulminant unterkühlter Auftakt für eine Ausstellung, die sich selbst unter das absurde Motto "6000 Jahre München" gestellt hat, wo doch jeder weiß, dass München heuer zwar 850 Jahre alt, aber gemessen an den zivilisatorischen Wurzeln der Menschheit unverschämt jung werden wird. Ein Phänomen, das umkreist wird durch ein halbgeleertes Glas Weißbier auf der von Inschriften zerschundenen Platte eines alten Stammtisches. Halbnackte Musen sitzen während einer Performance auf kupfernen Dachrinnen und lassen Honig unter sich. Das Siegestor schimmelt und zerfällt auf einer Fotomontage. Ein lässig entspannt sitzender Friedensengel aus Schokolade frisst sich, von goldener Gewandung befreit, selbst auf. München zwischen Kult und Kannibalisierung. Großartig! (...)

  1. Christoph Wiedemann  I  Süddeutsche zeitung  I  LINK

EXHIBITION „Ultima Vista“ Messner Mountain Museum

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